世界名人视觉艺术作品「莫德里奇算不算巨星」

一． 戴帆（Dai Fan） 来自火星的巫师

戴帆（Dai Fan）

戴帆（Dai Fan） 用超声波召集鲨鱼 ，震惊欧洲 :

大量的事实证明，人类史上只有一个艺术家能引发史无前例的争议与骚动，那就是戴帆。

他独树一帜的作品不是严格管制的精神作坊里锻打出来的体块，而是从不可见的天空跌落下来的陨石，犹如魔鬼的天启拉扯着社会的神经，闯入谎言、似是而非的意见、普遍接受的不公正标准和被掩饰的权力败坏之中，以振聋发聩的力量改变着人们的思维方式。哥白尼之后的人类看世界和哥白尼之前是不一样的，达尔文之后的人类看世界和达尔文之前是不一样的，每一次观念的爆炸都会在严格意义上的瞬间传播开来，伟大作品的标志 : 动摇人类的信念，凸显了另一个世界的视野，其来临预设了对现存世界的改变。时代冲突在争议之镜中若隐若现 ： 不被争议的事物是最值得怀疑的，争议却可以折射出人类的困境与冲突。不能引起震动的作品不是好作品，不能引发争议的作品不值得一看。戴帆（DAI FAN）最新作品轰动欧美 —— 黄河捞尸(FISHING CORPSES FROM THE YELLOW RIVER) : 玩家使用电脑，登录网络游戏“黄河捞尸”通过机器人利用卫星遥感技术在黄河中寻找尸体，然后在电脑中操控黄河中航行的机器人将尸体捞起来推向岸边指定的位置。

FISHING CORPSES FROM THE YELLOW RIVER

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FISHING CORPSES FROM THE YELLOWRIVER

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《先知即是海洋,你的伟大轻蔑将在狂怒中沉没》 ·用超声波召集鲨鱼 · 戴帆（Dai Fan）

《先知即是海洋,你的伟大轻蔑将在狂怒中沉没》 ·用超声波召集鲨鱼 · 戴帆（Dai Fan）

《先知即是海洋,你的伟大轻蔑将在狂怒中沉没》 ·用超声波召集鲨鱼 · 戴帆（Dai Fan）

《先知即是海洋,你的伟大轻蔑将在狂怒中沉没》 ·用超声波召集鲨鱼 · 戴帆（Dai Fan）

戴帆凭借惊世骇俗的作品与思想成为当代知名度最高的艺术家，其独树一帜的作品犹如魔鬼的天启拉扯着社会的神经，以振聋发聩的力量改变着人们的思维方式。哥白尼之后的人类看世界和哥白尼之前是不一样的，达尔文之后的人类看世界和达尔文之前是不一样的，每一次观念的爆炸都会在严格意义上的瞬间传播开来，伟大作品的标志 : 动摇人类的信念，凸显了另一个世界的视野，其来临预设了对现存世界的改变。在“繁星般的科技之魔 : 戴帆的一亿个机器人”中戴帆作为恶质造物主 ( EVIL CREATOR)将自己亲手创作的机器人，爱到恨不得它不再只是艺术品，而变成活物，一个有生命的非人类生命体。戴帆的作品让观众感觉到另一个星球上的空气。戴帆把遥远未来中必然发生的事件视为当下之事，并用这种态度去期盼它的来临。戴帆将他的实践不认为所建构的是一件“作品”，而是一段航程，一个工地，他认为自然界与社会必须经历艺术的魔法——借此开启并产生概念、定义新的问题性模式。戴帆的每一次创作都是惊世骇俗。2017年戴帆在欧洲创作的“用超声波召集鲨鱼”事件行动有着：劫难、恐惧、科技暴动、萨满。海面鲨鱼的穿行如同末日的宣言与地狱般的画面，扰乱观者的思维，不在既定的艺术领域内探讨，利用海洋、鲨鱼、难民船、超声波装置出一个不具装置化的戏剧原型，艺术的安定性被瓦解，道德被嘲弄，而人的轨迹与鲨鱼的轨迹构成了一个游牧因应环境的巢穴,艺术的创造力与想象力在面对日常与道德准则时，将以新思维与新行动将事件悬置、突变、爆裂。戴帆的“一亿个机器人”爆裂，有气魄，唯美，科技的诡异感十足，像洪水猛兽，令人感到惊奇和恐惧，有极强的杀伤力……让你觉得因为观看他的作品而产生变化，是他改变了你认识世界的观念。他最广为人知的身份是“宇宙宣言”——涵盖超未来主义，以探索人工智能、基因组学、人体技术、太空科技、神经科技、宇宙空间、生物纳米科技、机器人和生物科技一系列21世纪先端艺术语言新的艺术流派的领袖及“机器人”艺术的开创者。戴帆创造性的突破，将恐怖的宇宙观念与人工智能机器人观念引入当代艺术的结构中。他指出，我们不能再像后现代主义那样，用那种极度碎片化和个体化的感受来理解存在，理解光明，相反，在庞大的穹宇中，我们需要用一种超越我们感受之外的能力来涉足一些从未涉足的光。戴帆的作品涉及到一种非人的宇宙论，一个完全没有我们的世界，一个没有光亮、没有希望、甚至没有信仰的非人的外部。在那个超自然神秘的外部最重要的是，未来出现的智能将继续代表人类文明——人机文明。换句话说，未来的计算机便是人类——即便他们是非生物的。“谁是人类的继承者？回答是：我们正在创造我们自己的继承者，机器具有或将具有生命。在将来的某一天，人类与机器的关系就如同现今动物与人的关系。戴帆的艺术与设计具有革命性、解放性和颠覆性，他的思想在攻击中得到发展。戴帆与具有一种令人愉快和和谐感的人道主义艺术家不同，与此相反，戴帆具有一种破坏性的创造力，超越善与恶的划分，是令人失明的权力和守护保护神狂暴的形象出现，不为一般人对幸福、公正或怜悯的苛求所制约。在戴帆停留在伦敦 、巴黎、纽约时，当太阳落山时候，他潜入那些疯狂的夜总会与神秘的俱乐部中，各种各样的迷宫，使游戏者得以在黑暗角落安全地重演秘密幽会，来自秘鲁、肯尼亚、柬埔寨的原始表演，华丽的服装和羽毛头冠，漂亮的裸体、灯光、布景与歌舞结合释放出磁性的神秘，助长了这种肉欲的气氛，为人们大规模地试验新的自我表现方式、新的放荡方式、新的麻醉品和性爱的混合方式，为了让肉体与快感提供了窗口。他的作品将不只是另一种作品，而是一种圣典——一部关于销魂状态的作品，在这种销魂状态中，我们能够得到片刻的永生，能够摆脱一切现实的东西，方法是探寻自己而抹消自己，让渡自己的肉体给那些神秘的仪式。这篇访谈文字如同漩涡的意象——思想从漩涡中奔泻而出，穿过漩涡，又回到漩涡。对于先锋艺术家来说，艺术就是一场与迂腐文明的战争，而这场战争的风险最显著地体现在其杰作被抗议。他力图铲平了所有障碍，要求艺术形式、设计形式、风格和内容享有毫无约束的自由。戴帆的作品以其题材尖锐、风格独特而著称，让人感受到“彻底的惊奇”，同时，由于他的作品充斥残酷、暴烈、血腥和不堪入目的表现，不仅受到极大的攻击，也被舆论赋予世俗的背叛者、文质彬彬的异教徒和赤裸裸的挑衅者等多重身份。

一、

美国当代艺术家辛迪·舍曼

二．辛迪·舍曼：以自拍洞察“性别歧视”

受害者、精神研究者、好妻子。我想女性读者会更理解这3个词并峙的含义，或者说女性应该体会这些角色的所带来的情绪。而在过去40年中，辛迪·舍曼

以角色扮演式的自画像破坏和改造自己原有的形象。出生于1954年的辛迪·舍曼从1970至80年代期间以化身电影中的人物并给自己拍摄照片而闻名于世。她的作品有着鲜明的标识，以怪异的方式呈现奇异的角色。她的照片总是在第一眼给人留下漂亮、悲伤、疯狂的假象，但在下一刻，我们记住了“她”拍下了这些照片。

辛迪·舍曼作品

然而，辛迪·舍曼最近的作品却是颠覆性的。她不再像过去那样扮演旧时电影中天真无邪的少女、1920年代盛装赴宴的老妇人，或是模仿明星的一天。辛迪·舍曼在追逐向往和青春后，用时间创造了一个复杂的肖像：一位60多岁女子的生活。她以特别的洞察力，表现被认为早已作古的“性别歧视”从坟墓中卷土重来。辛迪·舍曼训练我们观看，而后再次检视。只是看到的不只是她，而是每一个芸芸众生中的女人形象。

三、

美国黑人画家克里·詹姆斯·马歇尔

克里·詹姆斯·马歇尔：以画笔描绘黑人生活日常

长久以来，黑人对美国社会的贡献被忽视、边缘化和否认。克里·詹姆斯·马歇尔证实了这些描述和遗漏的艺术风格，他以画笔描绘黑人生活的日常。并通过先后在纽约大都会美术馆和芝加哥、洛杉矶巡回的展览“Mastry”，展示其叙事性的作品和大胆放肆的观点，以提示在白人的生活中，有色人种不能被忽视。

克里·詹姆斯·马歇尔，无题（工作室），2014

展览以80件作品（包括72幅绘画）贯穿马歇尔过去35年的创作生涯，马歇尔出生于1955年，这一年美国黑人民权运动开始，他也见证了1965年，洛杉矶瓦茨区的黑人骚乱。他的艺术灵感和想象力的源泉来自于对非裔美国人经历的记录，他的大型史诗题材的绘画表达一个非洲裔美国人涵盖文艺复兴到20世纪的美国抽象的艺术探索，且批判性地改写西方绘画最典型的形式（历史画面、景观风俗画、肖像画）。

黑色是克里画中的主导色彩，并且他持久而熟练地使用和定义着黑色，并创造和吸引了无数观众。他迫使人们重新评估美国黑人的经历，不仅建立了黑人的艺术环境，自己也成为了美国最有影响力的艺术家之一。

三、

英国建筑师大卫·阿贾耶

大卫·阿贾耶：以建筑体现超越历史的重量

大卫·阿贾耶是我们这个时代最伟大的建筑远见者之一。他不断扎根于当下和历史想象的复杂背景下，以新的形式将文化反映在建筑环境中。

大卫·阿贾耶，1966年出生于坦桑尼亚，1993年毕业于英国皇家艺术学院。2005年，他与奥拉维尔·埃利亚松参加威尼斯双年展；他与克里斯·奥菲利的何所设计被英国泰特美术馆收藏。他的建筑作品始终享有极高的声誉。他对传统视觉艺术信仰不做太多信任，而是一直探求建筑的创新，用其他准则来替代并个人经验，建立起他独特的准则。

正因为如此，阿贾耶对每个建筑师都必须考虑地重力的问题提出挑战。这体现在他设计的坐落于华盛顿的美国国家非洲裔美国人历史文化博物馆（NMAAHC）上，这座于2016年9月24日正式对公众开放的博物馆是迄今为止美国规模最大、最全面展示非洲裔美国人生活、艺术、历史、文化的场所。

坐落于华盛顿的美国国家非洲裔美国人历史文化博物馆

如何以设计体现超越历史的重量？如何建立表达几个世纪的压迫和斗争的负担，同时显示充满信心的非洲裔美国人的生活？成了阿贾耶在设计需要解答的问题。

阿贾耶曾表示：NMAAHC的概念当中暗示着这一辩证法。它既是一种庆祝形式，也是一种纪念形式，同时又是一间博物馆。作为华盛顿广场上最后一间博物馆，要尽最大努力来证明其存在的合理性。

在阿贾耶的设计中NMAAHC拥有着独特的外观——位于两层玻璃立面上的三层叠加的造型，这取自非洲西部的传统艺术——头顶大碗的女性像柱；铜拉丝的立面，则象征着19世纪黑人奴隶制作铁制品的手工艺；景观设计与建筑、周边环境融为一体。阿贾耶觉得，博物馆就像一部移动的历史书，转述着昔日离开故土的黑人如何利用自身的劳力以及文化，在新的土地上创造新文化的故事。

他们三个人的艺术创作之间原本没有联系，但《时代周刊》的评选似乎给予了他们艺术之间的对话，在西方种族主义愈演愈烈的当下，他们以看似温和的艺术表达，表达自己作为女性和有色人种对于当下的态度。

四、现实的破碎者——迪米特里·丹尼洛夫

2003年，巴黎艺术家迪米特里·丹尼洛夫（Dimitri Daniloff）在30岁出头时一举成名，在家用电视游戏机PlayStation广告创意中斩获大奖。他的大学专业是物理学，从而在技术上有更多的可能创造出复杂的影像。接下来的十年中他获奖无数，影像的整体风格都有点让人感到惊悚。比如人体各个部分的混杂，包括手臂、腿部、耳朵以及手，完全卷入了一场肢体狂欢，生物的特征构成了莫名的混乱。用他自己的话来说，就是：“这是一个走向疯狂的时代，一切皆可尝试。”他用哈苏数码相机拍摄素材，在PS中合成——有时多达30个层才完成一张画面。这样的风格除了早期用在电视游戏机的创意之外，现在还出现在耐克和摩托罗拉的广告创意中。

艺术家是这样理解真实和创造之间的关系的——其实能够通过后期处理让画面看上去更接近是真实是一种挑战。也就是说，他希望通过现实素材大量混合成非现实的画面，反而让人看到真实本身。所以他才让画面中构成尽可能的张力，推向极限。

五、改变艺术——布鲁克·莎登

从一开始，布鲁克·莎登（Brooke Shaden）就知道她不是在创作一种中规中矩的艺术品。她解释说：“我试图从人们身上唤起一种情感，让影像本身显得柔和，添加某种肌理，看上去更像是绘画。”她所通过的PS手段创造的影像，从某种意义上说仅仅存在于她的心中。

一开始，出于资金的短缺，她的模特儿就是她自己。她将这些自拍像放上Flickr，不料引起了巨大的反响。接下来她将所有的时间投入到影像的创造空间，并且引起了一些画廊的关注，原创作品已经卖到了500到2300美元一幅。

莎登至少有一半时间还在拍摄自己，然后再使用符合自己构思的雇佣模特。同时，她还收集日常生活中的各种素材，和自己的影像等混合在一起完成最终的创作。她的目标，就是希望其影像具有一种永恒的价值。

六、商业喜剧——麦特·巴克

大约在十年前，奥克兰艺术家麦特·巴克（Mat Baker）就已经在为澳洲和亚洲的世界顶级时尚杂志拍摄时装了。他说：“我的拍摄中规中矩，美不胜收。但是在拍摄了六年的时装之后，我就对模特儿站立的姿态感到了厌倦。我试图有所突破，但是杂志却仅仅有突破的想法而已。”

从这以后，35岁的巴克开始为代理商创造自己的影像。他的影像中出现了幽灵一般的男女，以及不可思议的怪兽。用他自己的话来说，就是99%的时间是在寻找滑稽的素材，乐此不疲。

他和弟弟一起合作，完成前后期的衔接。他使用飞思相机系统拍摄，弟弟在PS后期合成。他们往往就是在白天拍摄素材，晚上完成后期制作。代理商看到照片合成的过程一激动，他们也感到兴奋，一发而不可收。当然更刺激的就是需要不断地需找新的素材，新的灵感。然而一切源源不断，创意的空间自然无以穷尽。

八、插图的革新者——马特·马哈林

如果你约马特·马哈林（Matt Mahurin）完成一幅插图，你很难想象会得到什么样的结果。他会使用各种各样的技巧和数字化工具，完成最为困难的插图故事。因此毫不奇怪的是，《时代》、《滚石》等大牌杂志都会请他出山，甚至为华尔街评论插图。

当然，作为纽约的编辑和艺术指导，他的天赋不仅仅在于技术上的雕虫小技。90年代电脑技术逐渐成熟之后，数字化的创意插图自然成为他的首选。他的目的自然还是为文章带来新的创意想象力空间。

在他的摄影和插图之间，似乎看不到任何的矛盾和冲突。所有的一切都是凭借感性的力量将其缝合在一起。用他自己的话来说：“我想让所有的一切看上去都来自同一个世界。”

他的数字画插图似乎都带上了社会学的痕迹，从冷战时代到艾滋病，包括中东的战乱。然而其中却不乏艺术的敏感，也就是说在艺术水准上并不逊色于任何一位摄影家或画家。他将PS看作是现代的暗房，完全可以创造出大师级的作品。

八、出卖超现实——弗里克·简森斯

出生于比利时的弗里克·简森斯（Frieke Janssens）从15岁开始就拍摄带有超现实意味的照片，当然只是好玩而已。最初她的目标就是让头脑中的奇思怪想变成影像——那时候还需要相当扎实的传统暗房基础。

如今31岁的简森斯已经在PS的处理上得心应手了，她希望真真切切地让自己头脑中的创意变成人们喜闻乐见的影像。她的前期拍摄尽可能使用自然光线，而且是老式的玛米亚67相机，只不过换上了数码后背。用她自己的话来说，就是“喜欢操作复杂的大相机”。

曾经有过一段时间，她大多出创意，让助手制作。而后来发现，整个过程从创意到实现，似乎需要一气呵成。尤其让她感到困惑的是，自己的超现实主义创意还必须满足代理商商品推销的要求。也就是说，画面本身首先要让人们接受。幸运的是她有一个秘密武器——人们在她的照片中看到了幽默，而他们只是成为她观察世界的方式！

九、詹姆士·简(James Jean)

詹姆士·简(James Jean)是中国台湾裔美国视觉艺术家，以其商业作品和美术馆作品而闻名。在美国漫画界，他是DC Comics出版的各种书籍的封面画家，以及他与Prada，ESPN和Atlantic Records合作的作品而闻名。他的作品已被大量收集，并被《纽约时报》与马克斯菲尔德·帕里什(Maxfield Parrish)进行了比较。

詹姆士·简（James Jean）将现代主题与美学技术相融合，其灵感来自中国传统的卷轴画，日本木版画和文艺复兴时期的肖像画。通过试验不同的风格和艺术历史流派，描绘了注重个人和普遍体验的详细宇宙世界。他的小型作品以单身人物为中心，从事日常工作，并专注于特定的叙事和情感。 Jean的大型作品让人联想起复杂的Hieronymus Bosch绘画和雄伟的唐朝风景。艺术家从当代文化和古老的寓言中提取图像，并想象出神话般比例的集体境界。